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       Música - 474 álbumes 
 
    
 

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   The Jezabels
   Synthia (2016)

   18 JUNIO 2018

   The Jezabels es un grupo australiano compuesto por Hayley Mary (vocalista y letrista), Heather Shannon (teclista), Nik Kaloper (batería) y Sam Lockwood (guitarra). Formados en Sydney en el año 2007, han editado hasta la fecha tres álbumes de estudio, Prisoner (2011), The Brink (2014) y Synthia (2016), además de multitud de ep´s en donde destacan particularmente el diseño de sus carátulas transgresoras. The Jezabels han evolucionado en sus pocos años de vida, del pop gótico de su álbum debut al pop-rock radiante y festivo de sus siguientes trabajos, producidos por Dan Grech-Marguerat, conocido por su colaboraciones, de entre otros, Lana Del Rey y Radiohead. Fueron en sus comienzos teloneros de grupos tan importantes como Pixies, Skunk Anansie o Depeche Mode y aunque en Europa no son muy conocidos, en su país, como ocurre con los también australianos The Temper Trap, son verdaderas figuras de la música pop. En sus canciones optimistas con destellos de amargura, se reconocen las baterías con sabor a Larry Mullen y las guitarras a lo The Edge, moduladas por esa voz potente y susurrante de Hayley Mary, que sí en su primer disco era la de Stevie Nicks, en los últimos es la de Chrissie Hynde. La música de The Jezabels es la conjunción de diversos estados de ánimo en un sonido, dream-pop de alta calidad cantado al borde del abismo.  © epdlp




   Carl Craig
   Versus (2017)

   11 JUNIO 2018

   Carl Craig es un compositor y productor estadounidense, figura mítica del sonido Detroit-techno. Sus primeros pasos fueron junto a Derrick May a finales de los 80, creando los sellos RetroActive y Planet E y desarrollando más tarde una vertiginosa carrera musical. Es autor de varios discos de remezclas, entre ellos Abstract funk theory (2002), y varios discos de estudio, Landcruising (1995), More songs about food and revolutionary art (1997), The Album Formerly Known As... (2005) y Versus (2017). Ha abierto caminos como productor, el free jazz con Innerzone Orchestra, el drum'n'bass con Bug In The Bassbin y el house con Paperclip People. Es director del DEMF (Detroit Electronic Music Festival), que reúne cada año y durante tres días la friolera de un millón y medio de personas. Carl Craig escenifica una electrónica tranquila y sosegada, espacial y contemplativa. Su música, más adecuada para un chill-out que para una pista de baile, fusiona el techno, el jazz y el funk, sin perder el groove. Electrónica triste y melancólica, pura magia rítmica.  © epdlp




   1 Giant Leap
   1 Giant Leap (2001)

   04 JUNIO 2018

   1 Giant Leap es un proyecto del músico, documentalista y activista británico Jamie Catto, y del artista, productor y multi-instrumentista inglés Duncan Bridgeman. El primero fue miembro fundador y director de arte de la banda Faithless desde 1995 hasta el año 1999 en que abandonó el grupo. Por su parte Duncan Bridgeman comenzó su carrera musical en los años 80 con una banda de soul innovador llamada I-Level. Después de dejar el grupo, pasó diez años como productor de éxito y remezclador, trabajando con Duran Duran, Take That, Eurythmics, Transvision Vamp y Paul McCartney, entre otros. En el año 2001 unieron sus esfuerzos para crear, 1 Giant Leap, un proyecto musical y de cine internacional que llevó al dúo a una serie de viajes alrededor del mundo a través de los cuales intentan difundir un pensamiento revelador acerca de la naturaleza humana. Su primer trabajo, 1 Giant Leap (2001), es un recorrido de miles de kilómetros y 180 días, visitando más de 20 países de los cinco continentes para que los samplers de sus maquetas caseras tomen vida propia con la participación de sus creadores originales. En ésta obra monumental participan entre otros, Baaba Maal, Brian Eno, Michael Stipe, Robbie Williams, Neneh Cherry, el revolucionario de la flauta india, Hariprasad Chaurasia, la ex Fairground Attraction, Eddi Reader, la soprano Penny Shaw o la reina de Bollywood, Asha Bhosle. En el disco (que también es un largometraje), y que seduce con su trip-hop, tecno-tribal y pop electrónico experimental, se observan paisajes, testimonios y entrevistas con nativos de diferentes naciones, como Australia, Senegal, Sudáfrica, Uganda, Tailandia, Inglaterra y Estados Unidos. Según ellos mismos es una obra que explora, a través de la música y las imágenes, la complejidad de la naturaleza humana pero también la unidad de la diversidad. Después de la película, sus autores realizaron What about me (2009), otro proyecto visionario de música electrónica, cánticos africanos y canciones pop que conforman un conglomerado que podría encasillarse como World Music, pero que la etiqueta le queda pequeña. Jamie Catto y en menor medida Duncan Bridgeman, son de los artistas y activistas más respetados e influyentes de nuestra época, filosofar sobre la fuerza y la creatividad con gurús hindúes, jefes de clanes africanos y estrellas como Kurt Vonnegut y Dennis Hopper, bajo el manto de melodías y ritmos brillantes, convierten sus esfuerzos en un trabajo redondo.  © epdlp




   Lars Danielsson
   Libera Me (2004)

   28 MAYO 2018

   Integrar la improvisación del jazz con una orquesta demanda una estructura estricta para la orquesta y una mayor disposición en el grupo jazzístico. Lars Danielsson es un excelente bajista y violonchelista sueco con una fuerte inclinación lírica y un sonido vigoroso que ubicado en medio de una orquesta poderosa, como las que habitualmente le acompañan, convierten sus composiciones en algo mágico y fascinante. Ha dedicado sus estudios al aprendizaje del chelo, un instrumento que nunca ha abandonado. Dejó en sus inicios varios álbumes notables junto a su banda, Lars Danielsson Cuarteto, sin olvidar múltiples colaboraciones con orquestas sinfónicas y otras bandas, que le han hecho acreedor del cuádruple status de músico, compositor, arreglista y productor. Su carrera en solitario se circunscribe a nueve álbumes, New Hands (1986), Fresh Enough (1992), Continuation (1994), European Voices (1995), Libera Me (2004), junto a los noruegos Nils Petter Molvaer (trompeta) y Jon Christensen (batería), y la vocalista Caecilie Norby, un disco brutal donde la orquesta elabora un protagonismo esencial, creando un telón de fondo simple pero exuberante que trata a las canciones con su textura y paisaje adecuado; Tarantella (2009), Liberetto (2012), Liberetto II (2014) y Liberetto III (2017). Ha colaborado con músicos excepcionales de la talla de Randy y Michael Brecker, John Scofield, Jack DeJohnette, Trilok Gurtu y Mike Stern, así como otros menos conocidos pero de igual calidad como, los pianistas Anders Persson, Bugge Wesseltoft y Joey Calderazzo, el guitarrista Ulf Wakenius, el trompetista Eric Vloeimans, los saxofonistas David Liebman y Céline Bonacina, o los bateristas Wolfgang Haffner y Peter Erskine, entre otros. Lars Danielsson, uno de los músicos más prestigiosos del jazz escandinavo, ejercita una huida constante hacia adelante evitando que ciertos hábitos contaminantes del firmamento musical le alcancen, intenta ser poseído por esa meta utópica que une de alguna forma sus ciudades sonoras, sus idiomas interpretativos y sus recuerdos.  © epdlp




   Mercan Dede
   Dünya (2013)

   21 MAYO 2018

   La flauta de bambú, también llamada ney, es un instrumento rebelde, pues dicen los que han intentado manejarlo que se tarda un año en sacar una nota clara de él. Este instrumento tiene un papel importante en el sufismo y en la danza de los derviches. Antiguamente, bailaban para alcanzar un estado de trance, pero hoy en día, estos bailes se celebran sobre todo para los turistas ya que los numerosos monasterios sufíes han cerrado sus puertas. Virtuoso del ney, el compositor turco afincado en Canadá, Arkin Ilicali, bajo el seudónimo de Mercan Dede, empezó pinchando vinilo en el año 1993 con el nombre de Arkin Allen. También estuvo vinculado al desaparecido grupo Laço Tayfa. Tres años más tarde fundó el Mercan Dede Ensemble, culminación de su experiencia musical tanto en Turquía como en Canadá. Desde entonces la carrera de este paradigma de lo sagrado (el ritual sufí) y lo profano (el espectáculo), no ha hecho sino mejorar. Sufi Dreams (1997), fue su primer trabajo de estudio. A éste siguieron, Journey Of A Derbis (1998), Sufi traveler (1999), la obra teatral Seyahatname (2001), Fusion Monster (2004), éste último como Arkin Allen y finalmente su trilogía sobre la fusión instrumental tradicional (cítara, darbuka, flauta) y electrónica (teclados, loops, efectos), los álbumes Nar (Fuego, 2002), Su (Agua, 2005) y Nefes (Aire, 2006). 800 (2007), un disco dedicado a la celebración del 800 aniversario del nacimiento de Mevlana Jalaluddin Rumi, y Dünya (2013) son sus últimos trabajos. En directo el grupo de Mercan Dede, Secret Tribe, ofrece un espectáculo que va más allá de la pura actuación musical, una dramática e intensa representación visual, en dónde la bailarina Mira Burke realiza una fantástica puesta en escena de las tradicionales danzas sufíes. Mercan Dede es tan hábil con la flauta como con los ordenadores y su virtuosismo se engrandece hasta convertirse en uno de esos faros que iluminan las nuevas músicas a lo largo del globo. Un viaje a lo eterno donde pasado, presente y futuro te traspasan sintetizados en una simple nota orgánica y carnal. Como los finales de sus conciertos, en dónde Mercan Dede abraza a su derviche, la cubre con su túnica sagrada, empaqueta su altar tecnológico y directamente nos prende fuego con el recuerdo de una experiencia inolvidable.  © epdlp




   M83
   Junk (2016)

   14 MAYO 2018

   El Shoegazing (en inglés, "shoe" (zapato) y "gazing", del verbo gaze, que significa mirar fijamente a alguien o algo), es un estilo musical conformado por sonidos de guitarras fuertemente distorsionados, efectos de pedal y delays que ensucian un poco el sonido. Surgió a finales de los años ochenta en Inglaterra, permaneciendo hasta mediados de los años noventa. Los grupos más importantes de ésta corriente fueron My Bloody Valentine, Ride, Slowdive, The Boo Radleys y The Verve, en sus comienzos. Una década después el estilo ha vuelto a resurgir con nuevos grupos orientados más a la música electrónica, pero que recogen los aspectos característicos del género. Bandas como, The Pains of Being Pure at Heart, The Raveonettes, Friendly Fires y Cut Copy, serían sus abanderados, aunque los mejores son M83, una formación francesa fundada por Anthony González y Nicolás Fromageau (éste último abandonó el grupo en el 2004), y compuesta además por Jordan Lawlor (voz y guitarra), Morgan Kibby (voz, teclados y cello) y Loïc Maurin (percusión). Han publicado seis álbumes de estudio, M83 (2001), Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts (2003), Before the Dawn Heals Us (2005), Digital Shades Vol.1 (2007), Saturdays = Youth (2008), Hurry Up, We're Dreaming (2011) y Junk (2016). El nombre de la banda fue inspirado en la galaxia espiral Messier 83, también llamada Molinillo Austral. Durante años, M83 había sido la galaxia en la que se habían descubierto más supernovas y según confirmó el científico que la descubrió en 1781, Charles Messier, uno sólo podrá verla si tiene una gran capacidad de concentración. Quizá la música de M83, intente acercarse a esa capacidad de concentración que toda composición importante y emotiva intenta transmitir.  © epdlp




   Sigur Rós
   Valtari (2012)

   07 MAYO 2018

   Formada en 1994, la banda islandesa Sigur Ros ha creído conveniente buscar nuevos rumbos a la música que se hace en su país. Su primer álbum Von (1997), no tuvo el éxito esperado, pero eso no les amilanó en su afán de romper esquemas. El encuentro con Ken Thomas, productor de los Sugarcubes, en su segundo trabajo Agaetis Byrjun (1999), los proyectó dónde ellos querían. Los críticos fueron unánimes al aclamar el disco, que fue también un gran éxito comercial en Islandia. La mano de éste productor orientó su sonido hacia otros caminos, dando como resultado el disco más desnudo del grupo, ( ) (2002) y más tarde Takk (2005), Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008), Valtari (2012) y Kveikur (2013). Sigur Ros está formado por el ex Bee Spiders, Jonsi Birgisson (voz y guitarra), Kjartan Sveinsson (teclado), Georg Holm (bajo) y Orri Pall Dyrason (batería). Los dos últimos publicaron, Circe (2015), soundtrack del documental The Show of Shows, que realizó la BBC sobre los últimos 100 años del circo. Si la música de Sigur Ros tuviera que ser etiquetada, el término post-rock sería sin duda el primero en aparecer y también la de grupo "emocional". Sus composiciones son aparentemente simples, aunque al mismo tiempo, auténticas y sinceras. Tratan de explorar el lado oscuro de la música, como un niño que descubre el mundo por primera vez.  © epdlp




   Underworld
   A Hundred Days Off (2002)

   30 ABRIL 2018

   Aunque desde el año 1981 editaban discos con el nombre de Freur, el dúo Underworld se formó en el año 1987 cuando los músicos ingleses, el frontman-vocalista y guitarrista Karl Hyde y el virtuoso programador Rick Smith editan su primer single, en un principio totalmente pop. En el año 1990, un joven DJ llamado Darren Emerson, entraba a formar parte del grupo. Pero es en 1991 cuando Rick y Karl deciden fundar junto a otros amigos, el colectivo de arte Tomato, que se convirtió en una referencia indiscutible en el mundo del arte audio-visual. Fue desde entonces cuando empezaron a aparecer sus temas más aclamados. Su álbum de debut Dubnobasswithmyheadman (1994), convirtió al trío en el primer gran grupo electrónico de masas capaz de llenar estadios enteros en los años 90. Posteriores éxitos como Born Slippy, todo un auténtico himno gracias a la película Trainspotting, o su segundo trabajo Second Toughest In The Infants (1996), no hicieron más que consagrarles. En 1999, apareció su tercer álbum Beaucoup Fish, un año antes de que Darren Emerson abandonara el grupo. Desde entonces Rick y Karl han seguido en solitario trabajando en sus siguientes trabajos, A Hundred Days Off (2002), Oblivion With Bells (2007), Barking (2010) y Barbara Barbara, we face a shining future (2016). Underworld combina el house de Chicago, el techno de Detroit y la música ácida de Londres con guitarras de rock tradicionales y un tratamiento vocal surreal y saturante, creando un comprimido sonoro único, frente al cual el zarandeo de cuerpos y de estilos musicales es inevitable. Aunque la música de baile tiene raíces inherentemente hedonistas, Underworld posee un claro sentido ético al respecto. Ellos re-delimitan los alcances de la música electrónica, elevando las sensaciones hasta niveles totalmente imprevisibles, absolutamente deslumbrantes. Grupo imprescindible para comprender la música actual y para comenzar a entender la música del futuro, el rock del siglo 21, el paso definitivo del rock con guitarras al rock electrónico.  © epdlp




   Zuco 103
   Etno Chic (2016)

   23 ABRIL 2018

   Ámsterdam es la ciudad donde está radicado el proyecto Zuco 103, fusión de tres personalidades, el holandés Stefan Kruger (batería y percusiones), el alemán Stefan Schmid (teclados) y la brasileña Lilian Vieira (cantante), que llegó a los Países Bajos en 1989. El trío unió sus fuerzas por primera vez al realizar una serie de temas para la ecléctica y electro jazzística formación holandesa SfeQ. Beco Dranoff, el cazatalentos de la compañía discográfica Ziriguiboom, el sello de Crammed dedicado a la música brasileña, les produjo su primer trabajo Outro Lado (2000). Desde el lanzamiento de Outro Lado la música de Zuco 103 ha sido reconocida como una de las más excitantes mezclas entre la música electrónica y la brasileña, jamás realizadas. En sus siguientes álbumes Tales Of High Fever (2003), Whaa (2005), After The Carnaval (2008) y Etno Chic (2016), dejan volar su inspiración rítmica brasileña, para ser al mismo tiempo sofisticados y explosivos, bailables y también escuchables, sedosos y violentos, innovadores y pegadizos. La seductora voz de Lilian Vieira determina su estilo, una mezcla de bosanova, samba, drum’n’bass, hiphop, funk y dub, intentando dejar atrás todas sus influencias, descubriendo continuamente nuevos sonidos. Exploradores del arte de la samba y la bosanova, enriquecidos con la sensualidad del funk sobre las bases techno y drum’n’bass, su minimalismo ascético y total perfeccionismo está a la vanguardia de una nueva generación de artistas que son musical y étnicamente multiculturales y que son capaces de unir los sonidos propios de las músicas étnicas con los ritmos más occidentales.  © epdlp




   Bob Holroyd
   Beachcombing (2011)

   16 ABRIL 2018

   Bob Holroyd está situado en primera linea entre los músicos más innovadores de la escena actual. Su música electrónica abstracta, cercana a la world-music, tiene sus influencias en compositores tan variados como Peter Gabriel, David Sylvian, Arvo Part, Ryuichi Sakamoto. Steve Reich, XTC o David Byrne. Es el fundador en el año 1987 de la compañía Soundscape Music, y hasta la fecha ha publicado siete álbumes de estudio, Fluidity & structure (1991), Stages (1996), A different space (2000), Without Within (2003), Hollow Man (2006), Beachcombing (2011) y Blueprint (2015). Bob Holroyd combina la música ambient con ritmos intensos de todo el mundo, calidad e imaginación que busca la emoción del que la escucha.  © epdlp




   Bill Laurance
   Aftersun (2016)

   09 ABRIL 2018

   Bill Laurance es un pianista, arreglista y compositor inglés. De formación clásica, ha trabajado como músico profesional desde los catorce años, acompañando como pianista, teclista, compositor, productor y arreglista a artistas de la talla de Morcheeba, Salif Keita, Bobby McFerrin, Susana Baca, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter y David Crosby, entre otros. Componente de la macro banda Snarky Puppy, que en ocasiones reúne a más de treinta miembros, inició su carrera en ?solitario? en el año 2014, aunque eso no sería del todo cierto, pues le acompañan en todos los conciertos un trío de primer orden formado por Felix Higginbottom (percusión), Chris Hyson (bajo y y sintetizador) y Joshua Blackmore (batería). Decir que su música es visualmente evocadora, sería quedarse cortos, pues Bill Laurance es un maestro en la fabricación de piezas que suenan como las puntuaciones de una película memorable, mezcladas con grooves de jazz y el funk más adictivo. Flint (2014), Swift (2015), grabado junto al cuarteto de cuerda y trompa francés Heritage, y Aftersun (2016), son sus tres álbumes de estudio. Sus conciertos en directo son un verdadero acontecimiento del jazz más contemporáneo, en el que la impecable y apasionada fusión de piano, teclados y percusión, alcanzan su verdadero desenlace. Establecerse como una identidad en solitario, mientras que formas parte de una banda tan grande como Snarky Puppy es una invocación difícil, aunque Bill Laurance lo consigue de una forma lúdica, celebrando la diversidad, la pluralidad y las contigencias de la vida, porque afortunadamente, y él los representa, los árboles duermen de pie.  © epdlp




   Anneli Drecker
   Revelation For Personal Use (2017)

   02 ABRIL 2018

   Los noruegos Bel Canto son, tras la desaparición o hibernación de Cocteau Twins y Dead Can Dance, las únicas de estas tres leyendas que se mantenían generando música sublime para el deleite de nuestros sentidos. La aseveración no es del todo exacta, pues la pareja hace ya muchos años que no edita ningún trabajo conjunto y las trayectorias del dúo están más dedicadas a sus propias carreras en solitario y a colaboraciones diversas, que a las del propio grupo. Editaron seis álbumes de estudio, White Out Conditions (1987), Birds of Pasage (1990), Shimering, Warm & Bright (1992), Magic Box (1996), Rush (1998) y Dorothy's Victory (2002), siendo además los encargados de crear la música original de los Juegos Olímpicos de invierno en Lillehammer. A partir de entonces Nils Johansen se ha centrado en su proyecto Vajas, junto al violinista Ande Somby y la cantante Kristin Mellem, mientras que Anneli Drecker publicó dos álbumes en solitario, Tundra (2000) y Frolic (2005), una obra maestra de ingeniería tecnológica. Además ha colaborado con músicos del prestigio de Tsunematsu Matsui, Jah Wobble, Hector Zazou, y con los grupos A-Ha y Röyksopp. En sus últimos trabajos, Rocks & Straws (2015) y Revelation For Personal Use (2017), nos propone la interiorización de un viaje que comenzó en 1986 con Bel Canto y que con el paso de los años se ha hecho más claro y diáfano. La música de estos álbumes memorables, en el primero las letras están basadas en poemas del escritor noruego Arvid Hansen, se recrean más que nunca en el paisaje acústico nórdico, añadiendo influencias de la música de todo el mundo. Quizá es lo que transmiten las palabras del poeta, que Anneli con su música las convierte en luz, en pura esperanza, que barre la oscuridad.  © epdlp




   Oystein Sevag
   Space For A Crowded World (2012)

   26 MARZO 2018

   El multiinstrumentista noruego Oystein Sevag creció en una familia que le daba un valor muy alto a la creatividad. Su padre, etnólogo musical, junto a la belleza de los parajes naturales de Noruega fueron desde entonces una de sus principales fuentes de inspiración. Comenzó a tocar el piano a los 5 años y a los 12 la guitarra. Con 19 compuso su primera obra Eplevalsen (El vals de la manzana), con arreglos para gran banda de jazz, que fue interpretada en varios conciertos. Formó parte de varios conjuntos, Craff, Noahs Ark e Ischjazz (junto a su amigo Lakki Patey), así como colaboraciones con el grupo Celeste (banda integrada por Erik Wøllo, Bendik Hofseth, Jan Erik Salater e Inge Forum) y los principales músicos noruegos, Nils Petter Molvær, Paolo Vinaccia, Eivind Aarset y Audun Erlien. En 1989 editó con su propia compañía Siddhartha Records, su primer disco compacto en solitario, Close Your Eyes and See, proclamado disco del año por el Gavin Report Magazine de San Francisco. Oystein Sevag fue el primer artista europeo en firmar un contrato discográfico con Windham Hill Records y a partir de ese momento su música sería comercializada en el mundo entero. Más tarde llegaron Link (1993) y Global House (1995), producción pluricultural en la que amplió el número de instrumentos de proyectos anteriores, incluyendo entre otros el didjeridoo australiano, la percusión del cubano Sergio González y un cuarteto de cuerda; Visual (1996), junto a Lakki Patey, Bridge (1997), grabado junto a la Philharmonic Orchestra en los Estudios Abbey Road de Londres, Caravan (2005) y Space For A Crowded World (2012). Ha escrito la música del documental sobre la vida del pintor noruego Edvard Munch titulado Dance of life. Oystein Sevag, máximo representante de las nuevas músicas, ha tocado todos los palos dentro de este estilo, sobre todo en los aspectos relacionados con el jazz y la fusión, aunque últimamente ha evolucionado a un sonido más acústico, de corte clasicista. Su maestría para crear ambientes y paisajes sonoros evocadores a partir de un material muy simple es notoria, se trata de llegar a un resultado complejo a partir de elementos sencillos.  © epdlp




   Koop
   Island Blues (2006)

   19 MARZO 2018

   Koop es una formación sueca apasionada por el jazz y con unos intereses musicales que van desde el hard bop y los clásicos, hasta el hip-hop y el techno de Detroit. Con base en Estocolmo, el dúo formado por Magnus Zingmark y Oscar Simonsson, mezcla libremente elementos de jazz tradicional y música latina con electrónica de última generación. Su primer trabajo, Sons of Koop (1997), no era música electrónica con un toque de jazz, sino jazz frugalmente atado con un poco de electrónica. Percibiendo el jazz como ritmo y forma más que la idea ortodoxa de ser mera improvisación, Koop se las ingenió para escapar de la falta de variedad musical en la programación electrónica y de las grabaciones contemporáneas de jazz de sonido limpio. Su segundo y tercer álbum Waltz for Koop (2001) e Island Blues (2006), son un ejemplo de respeto por las tradiciones jazzísticas por un lado y un espíritu aventurero por otro. En estos dos últimos, cuentan con invitados como la leyenda del soul Terry Callier, el extravagante Earl Zinder y las debutantes Cecilia Stalin y Yukimi Nagano (con un registro vocal muy cercano al de Astrud Gilberto). Koop han intentado capturar la elegancia, convirtiendo la club-music en el jazz de nuestros días.  © epdlp




   JJ
   n° 2 (2009)

   12 MARZO 2018

   El prestigioso sello discográfico Sincerely Yours (Henning Fürst y Eric Berglund), ha sido a lo largo de la última década, responsable del descubrimiento de grupos tan innovadores como Air France, The Honeydrips, Nordpolen, Joel Alme, Jonas Game, el príncipe Avner, los norteamericanos Memory Tapes y los de su propia banda, Tough Alliance. El sello se ha convertido también en el sueño incansable de la búsqueda de un pop contemporáneo transgresor y profundamente innovador. JJ, que es su nuevo descubrimiento, es un dúo formado por Joakim Benon y Elin Kastlander. Han editado tres álbumes de estudio, nº 2 (2009), nº 3 (2010) y V (2014), aunque muchos echarán en falta el nº 1 que simplemente fue un EP de presentación. Aunque de JJ se sabe poco, sólo que son una banda surgida del hielo, que son suecos y que carecen de cosas aparentemente fundamentales para la vida moderna como MySpace o web convencional. No nos importa, JJ son la quintaesencia del ritmo mecánico humanizado, aderezado con voces candorosas. Una delicia de pop transoceánico y electrónica atemporal.  © epdlp




   Imogen Heap
   Ellipse (2009)

   05 MARZO 2018

   Formada como pianista y compositora y dotada de una voz que destaca por su creatividad, Imogen Heap es diferente a los demás, pues a pesar de facturar un pop aparentemente accesible a cualquiera, su estilo es inconfundible. Ella es el máximo exponente del llamado sonido“breathy”(voz aspirada o entrecortada), una forma de expresión más que un lenguaje musical. Imogen Heap inició su carrera en solitario con I-Megaphone (1998) y cuatro años después editó junto a Guy Sigsworth y con el nombre de Frou Frou, el álbum Details (2002). Dicen que en algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños, pues el dúo británico Frou Frou se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces la cantante que más había dado que hablar en el ambiente del electro pop de esos años, elaboró dos trabajos más, Speak For Yourself (2005) y Ellipse (2009), que la situaron en un lugar privilegiado. Sparks (2014), su último trabajo, es sin duda el mejor de su carrera y la culminación de su proyecto. Imogen Heap elabora pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead hace algunos años y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino es explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




   Faithless
   The Dance (2010)

   26 FEBRERO 2018

   El grupo Faithless nació en el año 1993, y estaba formado inicialmente por Sister Bliss (pianista, violinista y famosa productora de música house, considerada con todo merecimiento la DJ femenina número 1 del mundo), Maxi Jazz (ex-The Soul Food Café Band y líder del grupo), Rollo Armstrong (cantante), Jamie Catto, y el guitarrista Dave Randall. Estos dos últimos abandonaron la banda a finales de 1999, después de editar su segundo trabajo Sunday 8pm (1998). Antes habían publicado el primero Reverence (1995), cuyas canciones consiguieron un tremendo impacto y una gran influencia en el sonido de la música dance contemporánea. Outrospective (2001), No Roots (2004), To All New Arrivals (2006) y The Dance (2010) son sus últimos trabajos. Faithless combina gran variedad de ritmos, house, blues, soul, rap y folk, todo ello aderezado con los temas electrónicos más contundentes, que son los que en directo adquieren mejor dimensión. Han luchado por ser una banda de directo y brillar en el escenario al igual que en el estudio y se han convertido en uno de los grupos de culto más reputados de la escena dance mundial.  © epdlp




   Tracey Thorn
   Record (2018)

   19 FEBRERO 2018

   Tracey Thorn, estudiante de la Universidad de Hull, formó en 1982 junto a Ben Watt el dúo Everything But The Girl. Tomaron su nombre de una señal colocada en la ventana de una tienda de muebles local que exhibía "Para el dormitorio de sus sueños, vendemos todo menos a la chica". En el momento de su formación, Tracey Thorn (componente de las Marine Girls), y el cantante multi-instrumentista Ben Watt (que había publicado varios singles y colaborado con Robert Wyatt), firmaron con el sello independiente Cherry Red. Debutaron con una interpretación de la samba de Cole Porter "Night and Day" que fue un éxito en las listas independientes del Reino Unido. En 1992 Ben Watt enfermó debido al Síndrome de Churg-Strauss, una extraña enfermedad del sistema inmunológico que lo llevó al borde de la muerte. Después de un año en recuperación, escribió varias nuevas canciones que el dúo grabó para su incorporación en "Home Movies", una colección de singles de 1993. En 1994, colaboraron con los innovadores del dub-trance "Massive Attack" en su álbum "Protection". Sus trabajos de estudio son, Eden (1984), Love not money (1985), Baby, The Star Shine Bright (1986), Idlewide (1988), The language of life (1990), Worldwide (1991) y Amplified Heart (1994). En Temperamental (1999) su noveno trabajo de estudio, profundizaron la fusión de su pasado pop con las corrientes más actuales de la música de baile, un camino que iniciaron en 1995 con la remezcla innovadora de Todd Terry en "Missing" y que afianzaron en su penúltimo álbum Walking Wounded (1996), los placeres del drum'n'bass. Las influencias del dúo, fruto del contacto con lo más granado de la música dance, y la experiencia que Ben Watt ha ido acumulando a los platos de Lazy Dog (su club en pleno corazón de Londres), configuran actualmente su música. Tracey Thorn en solitario ha publicado cinco trabajos, A Distant Shore (2001), Out Of The Woods (2007), Love And Its Opposite (2010), Tinsel And Lights (2012) y Record (2018). En ellos están presentes las últimas tendencias del universo electrónico, resaltadas por la sensibilidad y calidez humana de su voz.  © epdlp




   Vinodelfin
   Seres Unicos (2009)

   12 FEBRERO 2018

   Hay grupos que siguen recomendando motivos para acercarse a la felicidad, que vuelven a las raíces y se manchan con la tierra. Vinodelfin era una de esas bandas que hacen de la emoción un himno y de la combinación de palabras sugerentes una eterna sabiduría. Aunque tres años antes ya existían como grupo, no fue hasta el año 2006 cuando editaron su primer álbum, Perfecto en la locura. El quinteto barcelonés formado por argentinos y españoles y capitaneado por Marcos Andrés (voz y guitarra), estaba compuesto por Alberto González (guitarra y percusión), Matías Luna (bajo), Paco Lacolla (batería) y Fluren Ferrer (teclados). Este último reputado productor de entre otros, el grupo Sidonie. Sus directos sorprendentes hicieron suyos los patrones más contundentes del pop-rock en castellano, formato acústico en el desarrollo del lenguaje, influencias del flamenco, el pop y del jazz, complementados con un contenido poético de sus letras. En Perfecto en la locura, producido por Nathan James en Jigsaw Sound en Nueva York y en el que colaboran entre otros, Shuarma, ex-vocalista de Elefantes, el castellano flota sobre melodías en las que podemos encontrar aires británicos y flamencos perfectamente combinados, y en donde la garra del piano o la fuerza de unas guitarras, crean el mejor pop pulido y vanguardista. Seres Únicos (2009), fue su segundo y último trabajo antes de separarse en el 2010. Cuatro años después su líder Marcos Andrés editó su primer trabajo en solitario, Frida (2014), con el nombre artístico de El Circo de las Mariposas.  © epdlp




   Weekend Players
   Weekend Players (2005)

   05 FEBRERO 2018

   Hace algún tiempo, el compositor y productor Andy Cato (Andrew Derek Cocup), que a pesar de no ir a ninguna escuela de música tocaba diversos instrumentos, incluidos el trombón, los teclados y el bajo, conoció al trompetista Tom Findlay y juntos montaron un club de baile. El éxito espectacular de sus sesiones en la sala, los llevó a crear su propio grupo musical, de igual nombre que el club, Groove Armada. Desde entonces Groove Armada ha exhibido una carrera de cinco álbumes, quizás con algunos altibajos, en los que han demostrado una sorprendente sinergia entre dos espíritus musicales afines. Por su parte Raquel Foster, una cantante de Nottingham con experiencia en los circuitos del jazz, ex - cantante del grupo Shod Collective y con una voz clónica de la cantante Sade, es el contrapunto adecuado a las composiciones de Andy Cato, uno de los productores de música electrónica más importantes del mundo. El debut del duo británico Weekend Players, Andy Cato y Raquel Foster, fué Pursuit Of Happiness (2003) y su segundo Weekend Players (2005). Los dos álbumes son un homenaje a la posteridad con letras mayúsculas, una especie de coctelera entre el jazz, el soul y la electrónica, un compendio de sonidos elegantes y bailables. Música disco del presente que sabe mirar al futuro sin complejos.  © epdlp




   Frou Frou
   Details (2002)

   29 ENERO 2018

   En algunas ocasiones, la popularidad y el reconocimiento llegan por los caminos más extraños. El dúo británico Frou Frou (la cantante Imogen Heap y el compositor y productor Guy Sigsworth), se dieron a conocer mundialmente al incluir una versión de la canción "Holding out for a hero" de Bonnie Tyler, en la banda sonora de Shrek 2. Desde entonces el dúo que más dio que hablar en el ambiente del electro pop en los primeros años del siglo XXI, disfruta de un sitio privilegiado. Antes de unir sus destinos musicales como dúo, Imogen Heap había iniciado su carrera en solitario cuatro años antes con, I-Megaphone (1998) y dos años después editaron su primer y único álbum, Details (2002). Frou Frou, son pop electrónico, mezclado con rock alternativo, a mitad de camino del espacio musical que creó Portishead y que Bjork se encargó de llevar al primer plano. Su destino fue el de explorar las fronteras del pop rock electrónico, un buen ejemplo de lo que la mezcla de un criterio musical adecuado y una voz portentosa pueden siempre conseguir.  © epdlp




   Karen Ramírez
   Distant Dreams (1998)

   22 ENERO 2018

   Karen Ramírez es una cantante londinense de raíces en Trinidad Y Tobago. Se ha relacionado con la música desde la infancia, su padre era percusionista y su madre profesora de piano. De voz suave y sedosa, que recuerda a Sade, Anita Baker y Erykah Badu en una sola persona, y con un sonido dance accesible, sus dos álbums Distant Dreams (1998) y Bees In The Trees (2006), tienen ciertas semejanzas con Everything But the Girl. Su música, mezcla de soul, latin o jazz, funciona como una maquinaria de relojería. Sabor latino en inglés, melodía funky-pop y hasta drum'n'bass, melancolía profunda y significativa. © epdlp




   Lisa Gerrard
   Black Opal (2009)

   15 ENERO 2018

   De origen anglo-irlandés, la australiana Lisa Gerrard comparte una visión original y diferente del mundo que le rodea. Junto a Brendan Perry y como Dead Can Dance, lanzaron al mercado ocho trabajos de estudio llenos de influencias procedentes del Renacimiento y sus estéticas musicales, una especial forma de entender la música, una mezcla inteligente de toques étnicos, rock tradicional y también estilos antiguos. Aclamados por la crítica, Dead Can Dance reina ya en su particular tierra musical. Actualmente su carrera va por otros derroteros, compositora de bandas sonoras, El niño de la luna (1988), Baraka (1992), El dilema (1999), Gladiator (2000), Whale Rider (2002) y una carrera paralela en solitario con notables trabajos de estudio, The Mirror Pool (1995), Duality (1998) con Pieter Bourke, Whale Rider (2003), Immortal Memory (2004) con Patrick Cassidy, The Silver Tree (2006) y Black Opal (2009). Aprovechando que los caprichos de los músicos son ventanas hacia su intimidad, hay un elemento que es siempre fiel reflejo del tamaño de un compositor. Así como a los árboles se les mide la edad contando el número de círculos que tienen en el tronco, Lisa Gerrard es un árbol centenario, porque su música es el origen de la sabiduría milenaria. Su meta es buscar la belleza perdida, la eterna meta humana de lograr una existencia significante.  © epdlp




   Half Moon Run
   Sun Leads Me On (2015)

   08 ENERO 2018

   Half Moon Run son una banda canadiense afincada en Montreal. El grupo, conocido por el uso intensivo de la percusión, y por jugar con instrumentos innovadores durante sus actuaciones en directo, está compuesto por Devon Portielje (voz principal, guitarra y percusión), Dylan Phillips (batería y teclado), Conner Molander (guitarra y teclado) e Isaac Symonds (percusiones, mandolina, teclado y guitarra). Su álbum debut, Dark Eyes (2012), producido por Daniel Lagacé y Nygel Asselin, tuvo la aclamación de la crítica especializada, lo que les permitió realizar giras por Europa, Australia y América del Norte, con la guinda final del clamoroso concierto en el Festival de Glastonbury del 2013. En otoño del 2015 lanzaron su segundo y esperado álbum, Sun Leads Me On, grabado en los Bathouse Studios de Ontario junto al productor Jim Abbiss, hacedor de estrellas de la talla de Arctic Monkeys y Adele. Teloneros en sus comienzos de bandas a las que admiraban, como Arcade Fire o Mumford And Sons, su sonido final está más cercano al art-rock que al indie-rock como a veces han sido clasificados. En Half Moon Run todos cantan y todos tocan varios instrumentos, pero fundamentalmente crean atmósferas de seducción y arrebato preciosista.  © epdlp




   Bill Laurance
   Flint (2014)

   01 ENERO 2018

   Bill Laurance es un pianista, arreglista y compositor inglés. De formación clásica, ha trabajado como músico profesional desde los catorce años, acompañando como pianista, teclista, compositor, productor y arreglista a artistas de la talla de Morcheeba, Salif Keita, Bobby McFerrin, Susana Baca, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter y David Crosby, entre otros. Componente de la macro banda Snarky Puppy, que en ocasiones reúne a más de treinta miembros, inició su carrera en “solitario” en el año 2014, aunque eso no sería del todo cierto, pues le acompañan en todos los conciertos un trío de primer orden formado por Felix Higginbottom (percusión), Chris Hyson (bajo y y sintetizador) y Joshua Blackmore (batería). Decir que su música es visualmente evocadora, sería quedarse cortos, pues Bill Laurance es un maestro en la fabricación de piezas que suenan como las puntuaciones de una película memorable, mezcladas con grooves de jazz y el funk más adictivo. Flint (2014), Swift (2015), grabado junto al cuarteto de cuerda y trompa francés Heritage, y Aftersun (2016), son sus tres álbumes de estudio. Sus conciertos en directo son un verdadero acontecimiento del jazz más contemporáneo, en el que la impecable y apasionada fusión de piano, teclados y percusión, alcanzan su verdadero desenlace. Establecerse como una identidad en solitario, mientras que formas parte de una banda tan grande como Snarky Puppy es una invocación difícil, aunque Bill Laurance lo consigue de una forma lúdica, celebrando la diversidad, la pluralidad y las contigencias de la vida, porque afortunadamente, y él los representa, los árboles duermen de pie.  © epdlp




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